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miércoles, 27 de abril de 2022

 



Tiziana "Tosca" Donati (29 de agosto de 1965) es una cantante y actriz italiana.

Comenzó su carrera artística en una pequeña compañía de teatro,  en un piano Bar Romano  llega a la música. En 1992 lanzó su primer álbum titulado Tosca y participó en el Festival de San Remo en la categoría juvenil con la canción Cosa farà Dio di me. En 1993 grabó su segundo álbum titulado actrice. Hasta 1996 continúan las excelentes colaboraciones: Lucio Dalla con quien hace duetos en la canción Respondimi, Riccardo Cocciante (dueto en la canción: Love still exists); Renato Zero (Inventi), hasta llegar a Ron con quien gana el Festival de San Remo 1996 con la canción Me gustaría conocerte dentro de cien años .  En 1997 participó en San Remo con la canción nel respiro più grande, escrita por Susanna Tamaro y música de Ron y en primavera lanzó su cuarto álbum Incontri e passaggi donde interpretó canciones escritas para ella por Ennio Morricone, Lucio Dalla, Chico Buarque, Ivano Fossati y otros. A lo largo de su carrera, la cantante ha publicado un total de diez álbumes de estudio y ha tenido la oportunidad de trabajar con algunos de los más grandes artistas de la escena musical italiana.

viernes, 22 de abril de 2022

Juliette Gréco - canciones para la libertad

 Marie-Juliette Gréco (Montpellier, 7 de febrero de 1927-Ramatuelle, 23 de septiembre de 2020)1​ fue una cantante y actriz francesa. Fue apodada por la prensa como «La musa de los existencialistas».

Comenzó su carrera como actriz de teatro y radio, pero, muy pronto, siguiendo los consejos de Jean-Paul Sartre, decidió cantar profesionalmente.  Cuando en 1954 actuó en el Olympia de París, ya era una cantante consagrada.



Sus dificultades para encontrar canciones adecuadas a su estilo la llevaron a descubrir a varios compositores que, posteriormente, llegarían a ser famosos, como Jacques Brel, Serge Gainsbourg o Léo Ferré.  En 1984 fue condecorada como Chevalier de la Légion d'honneur (Caballero de la Legión de Honor). Fue amante de Albert Camusy de Miles Davis. Con sus pómulos marcados, su mirada intensa subrayada por un lápiz de ojos negro, su cabellera castaña y sus finas manos blancas que contrastaban con sus vestidos oscuros, Gréco era una gran dama negra en el escenario.


Falleció el 23 de septiembre de 2020 a los 93 años en su última residencia, en Ramatuelle , en el corazón de la Cosa Azul ". Su familia manifestó en un comunicado: "Se ha ido rodeada de los suyos en su tan querida casa de Ramatuelle. Su vida fue fuera de lo común".

"Pasión, combate, amor y alegría intensa". Así resumía su vida Juliette Gréco. Amiga de poetas, filósofos y músicos ha encarnado en dos siglos diferentes el espíritu bohemio del barrio parisino Saint-Germain-des-Prés.


https://www.rtve.es/play/audios/sonideros/sonideros-kiko-helguera-juliette-greco-rosa-negra-04-10-20/5676873/



viernes, 19 de noviembre de 2021

Marisa Monte – Vagalume

 



Marisa de Azevedo Monte (Río de Janeiro, 1 de julio de 1967) es una cantautora y multinstrumentista brasileña. Es conocida por su carrera solista y por ser la cantante de la banda Tribalistas.

Hasta el presente ha vendido más de 10 millones de álbumes y ha ganado numerosos premios nacionales e internacionales, incluidos cuatro Premios Grammy Latinos, siete premios MTV Brasil, seis premios TIM Music, entre otros. Es considerada por la revista Rolling Stone como la cuarta cantante brasileña más grande, solo por detrás de Elis Regina, Gal Costa y Maria Bethânia



Estudió piano en la infancia, pero su primer interés musical estaba en los tambores, que comenzó a tocar a los nueve años de edad cuando recibió por su cumpleaños una batería. Habla 4 idiomas (portugués, inglés, francés e italiano).​ Posteriormente aprendería a tocar la guitarra. En la adolescencia, estudió canto lírico y participó en un montaje del musical Rocky Horror Show, llevada a escena por alumnos de teatro del Colegio Andrews, y dirigida por Miguel Falabella.​ En 1985, al contar con la mayoría de edad, permaneció diez meses en Italia para estudiar canto, pero desistió del género lírico y pasó a cantar música brasileña, acompañada por varios amigos, en pubs y locales frecuentados por gente de la noche. En esa época, en Venecia, la escuchó Nelson Motta, el que sería el director de Tudo veludo, un show que se estrenaría en 1987 en el canal JazzMania, en Río. El éxito fue inmediato, de público y de crítica. A pesar de no haber grabado todavía su primer disco, fue considerada una de las más prometedoras voces de la música popular brasileña.


El domingo 12 de agosto formó parte del grupo de artistas brasileños que dieron la bienvenida a los Juegos Olímpicos Río 2016 en la ceremonia de clausura de Londres 2012. Destacó por la belleza de su voz.

EL MURO DE SONIDO

 



Harvey Phillip Spector (26 de diciembre de 1939 - 16 de enero de 2021) fue un productor de discos , músico y compositor estadounidense que fue conocido por sus prácticas innovadoras de grabación y su espíritu empresarial en la década de 1960, seguido décadas más tarde por sus dos juicios y condena por asesinato. en la década de 2000. Spector desarrolló el Wall of Sound , un estilo de producción que describió como un enfoque wagneriano del rock and roll . Se le considera una de las figuras más influyentes en la historia de la música pop  y uno de los productores más exitosos de la década de 1960. La importancia de Phil Spector viene de intentar dotar de belleza e intensidad a la canción pop, mediante una acumulación de orquestación como un manto envolvente de voces, pianos, guitarras, bajos, baterías e instrumentos de percusión, viento y cuerda.


Nacido en el Bronx , Phil Spector se mudó a Los Ángeles cuando era adolecente y, a la edad de 21 años, se convirtió en el propietario de un sello estadounidense más joven hasta ese momento.  Apodado el "primer magnate de los adolescentes ",  Spector se convirtió en el primer autor de la industria de la música por el control sin precedentes que tenía sobre cada fase del proceso de grabación.


A principios de la década de 1970, Spector produjo los Beatles  y varios discos en solitario de John Lennon y George Harrison . A mediados de la década de 1970, Spector había producido dieciocho sencillos del Top 10 de Estados Unidos para varios artistas. Sus honores incluyen el Premio Grammy  en 1973 al mejor Álbum del año, y su inclusión en el Salón de la Fama del Rock and Roll y en el Salón de la Fama de los Compositores . 


En 2009, después de pasar tres décadas en semi-retiro, fue condenado por el asesinato en 2003 de la actriz Lana Clarkson y sentenciado a 19 años a cadena perpetua . Murió en prisión en 2021.

miércoles, 19 de mayo de 2021

Franco Battiato "Centro de Gravedad"

Franco Battiato ha muerto a los 76 años en su villa de Milo (Sicilia). Un castillo que era un refugio y un santuario, repleto de libros, de discos, de dibujos y cuadros y hasta una capilla.
La enfermedad que sufría Franco Battiato quedará siempre en secreto. Quizá por esto, su marcha, ahora, se asemeja más que a una muerte a un desvanecimiento. El cantante llevaba retirado de la escena casi tres años. Estaba enfermo, eso se sabía. Pero casi nadie podía decir con certeza cuál era el mal contra el que luchaba , y ese misterio aumentaba aún más la imagen de artista enigmático. El cantautor italiano, triunfó en España con las versiones en castellano de canciones como Yo quiero verte danzar, Centro de gravedad o Nómadas.
Mundialmente conocido por su estilo poético y existencial, está considerado como un compositor relevante de la música italiana con decenas de obras atemporales. Fue un músico ecléctico e inimitable, que tocó todos los géneros musicales, desde el rock a la música ligera, destacando también en la canción de autor, la música étnica y electrónica y hasta la ópera. En el transcurso de su prolífica carrera, Battiato ha hecho también incursiones en el cine y la pintura.Nacido el 23 de marzo de 1945 en Riposto, en la provincia de Catania, Battiato se trasladó a Milán en la primera mitad de la década de 1960 para intentar una carrera como profesional en el mundo de la música. Después de sus primeros trabajos con Giorgio Gaber y Ombretta Colli, debutó como solista de Bla-Bla de Pino Massara con los álbumes Fetus y Pollution. Músico intuitivo y poco técnico, Battiato,en la decada de los setenta hizo sus primeros discos como Sulle corde di Aries (1973), Clic (1974) y Mademoiselle le gladiateur (1975). En agosto de 2019, se lanzó su último álbum, Volveremos de nuevo.

jueves, 22 de abril de 2021

Julie London - Essential Jazz Legends

"Su música es una caricia para el alma..."
Julie London (Santa Rosa, California, 26 de septiembre de 1926 - Encino, 18 de octubre de 2000)cuyo nombre verdadero era el de Julie Peck, fue una cantante y actriz estadounidense. Conocida por su sensual voz, como cantante alcanzó su cima en la década de 1950, con su principal hit, Cry Me a River, compuesto por Arthur Hamilton y producido por su segundo marido, Bobby Troup. En los años finales de la década de los 40 estrenó películas interesantes como “Raíces De Pasión” (1948) de George Marshall o “Puente De Mando” (1949), dirigida por Delmer Daves.Por esa época, Julie London contrajo matrimonio con su primer marido, el actor y director Jack Webb (“El Blues De Pete Kelly”, nacido en 1920).El enlace con Web terminó en 1953.La pareja tuvo dos hijos.
Su nuevo compañero sentimental y representante fue Bobby Troup (nacido en 1918), con quien se casó en 1959 y con quien tuvo otros tres hijos.En cuanto al cine, Julie no apareció demasiado por los sets, pero aún así se le puede ver en estimables films como “The Fat Man” (1951) de William Castle, “Una Rubia En La Cumbre” (1956) de Frank Tashlin, “The Great Man” (1956) de José Ferrer, “Más Rápido Que El Viento” (1958) de Robert Parrish o “El Hombre Del Oeste” (1958) de Anthony Mann.Su carrera como actriz duró más de treinta y cinco años y culminó con el papel de la enfermera Dixie McCall, en la serie de televisión Emergencias (1972–1979).El feliz matrimonio Troup se vino abajo cuando en 1999 murió Bobby, dejando viuda a una maltrecha Julie, que también lo estaba pasando mal debido a las consecuencias de una apoplejía.
https://www.youtube.com/watch?v=WhKZd3LD8oU

Blossom Dearie - Sophisticated Lady

Blossom Dearie fue una cantante de jazz y pianista estadounidense. Dearie empezó a aprender a tocar el piano a los cinco años. Encuadrada en el bebop, se caracterizaba por una «distinguida voz aniñada», de una delicada ingenuidad" (Christian Tarting); sus cortes de pelo; su forma de "contar" las canciones que no se parecía a la de ningún otro cantante conocido.Fue una de las voces singulares del jazz de la segunda mitad del siglo XX. Ella era u un músico de músicos, pero su fama se extendió más ampliamente a través de la televisión y la radio, y, fue avanzando de generación en generación. Muchas personas que solo tenían un conocimiento pasajero de sus canciones lo hicieron. Sin darse cuenta de que el "acompañamiento" de piano exquisitamente sombreado era suyo. La forma de tocar el piano de Dearie fue tan única como su canto.
Dearie dijo una vez: "Definitivamente soy un músico de jazz, aprendiendo a ser cantante de jazz". Sin embargo, trabajó en grupos vocales desde el comienzo de su carrera. A mediados de la década de 1940, cuando terminó la escuela, se mudó a la ciudad de Nueva York. Ella fue una de los Blue Flames la banda de Woody Herman, y luego los Blue Reys con Alvino Rey. A principios de la década de 1950, por invitación del sello francés Barclay Records, se mudó de Nueva York a París. Allí compartió apartamento con la cantante de jazz escocesa Annie Ross, y formó su grupo vocal de ocho integrantes Blue Stars, para quien Michel Legrand arregló Lullaby of Birdland de George Shearing en 1954, cantado en francés. Trabajó con Ross, tanto como cantante como pianista, y conoció al saxofonista tenor y flautista belga Bobby Jaspar, con quien posteriormente se casó. Dearie permaneció en París durante cinco años. Cuando el empresario Norman Granz, que la había conocido en Francia, fundó Verve Records en 1956, Dearie regresó a Nueva York y se instaló en Greenwich Village. Comenzó su carrera en solitario como Blossom Dearie (1957) e hizo media docena de álbumes con Verve que concluyeron con My Gentleman Friend (1961). Actuó en clubes de jazz en Manhattan, a veces trabajando con Miles Davis, y en Los Ángeles, y su trabajo en televisión incluyó el programa Today de NBC con David Garroway, que era un gran admirador, y el programa Tonight Show. Dearie creó su propio sello, Daffodil Records, en 1974. Le siguieron quince álbumes, el último, en 2000, fue Dearie's Planet.
Los cigarrillos disminuyeron sus apariciones en el Soho, porque las tiernas cuerdas vocales de Dearie no soportaban el humo. Cuando apareció en el Pizza on the Park en las décadas de 1980 y 1990, se pedia a los comensales que dejaran de fumar 10 minutos antes de cada una de sus actuaciones, incluso así a veces perdía la voz. Qué precioso instrumento era: íntimo y entrecortado, con una frágil cualidad plateada que flotaba sobre muy poco soporte respiratorio. Sus diminutos tonos de niña perdida solo hacían cosquillas en el micrófono, pero eran solo una parte de una gama sutil de colores que podían evocar los timbres instrumentales de una flauta o una trompeta con silenciador wa-wa. El piano de Dearie fue igualmente especial; un estilo de teclado parpadeante de gran moderación. Se ha descrito como "musculoso", sin embargo, esa musculatura era más evidente cuando veías a Dearie, porque los acentos colocados con precisión de sus dedos parecían simplemente pinchar la superficie plácida de su personalidad. Fue este aspecto imperturbable lo que hizo que el ingenio de las canciones de Dave Frishberg fuera tan eficaz. En estas, Dearie no usaría más que el atisbo de una sonrisa. Durante siete años, Dearie actuó a menudo en Danny's Skylight Room en West 46th Street - Restaurant Row - en Manhattan. Y ahí fue donde, en 2006, cumplió su último compromiso. https://www.youtube.com/watch?v=m1qK7lJHWQk&list=RDm1qK7lJHWQk&start_radio=1&t=0

martes, 9 de marzo de 2021

Formula V

Paco Pastor (cantante), Joaquín -Quino- de la Peña (guitarra solista), José Chefo (guitarra rítmica), Mariano Sanz (bajo) y Antonio -Tony- Sevilla (batería) son los componentes de Fórmula V
Fórmula V y su primer disco se presentan en Madrid el 9 de enero de 1968. El fracaso es rotundo. A la carísima producción y promoción, el público responde comprando apenas unos cientos de discos. El grupo está a punto de separarse; de hecho Chefo abandonará el grupo ese mismo año y es sustituido por Amador-Chapete-Flores (órgano). Maryni Callejo encarga a José Luis Armenteros y Pablo Herrero, componentes de Los Relámpagos, que compongan canciones divertidas para reflotar el grupo y recuperar la inversión. El segundo sencillo sale en mayo de 1968 con “La playa, el sol, el mar, el cielo y tú” en la cara A. Se cuela entre los diez discos más vendidos de aquel verano y la fórmula comienza a funcionar.
Con los mismos compositores y la misma productora consiguen antes de que acabe el año su primer superventas absoluto con “Tengo tu amor”, que les pone ya en la senda del éxito y con el que van a definir un estilo inequívoco. Las canciones tienen la misma estructura, pero no suenan iguales. Se abren con un reclamo instrumental normalmente encomendado al órgano, siguen con una estrofa enérgica y culminan con un estribillo alegre cantado a coro. Después un puente instrumental o vocal en el que el ritmo se ralentiza, vuelta a la estrofa y un final con un estribillo que se repite varias veces. Total dos minutos y medio de música y cientos de miles de discos vendidos.
En 1969 los éxitos se suceden. Es el año de “Cuéntame”, que llegará al nº1 de las listas, y también el de “Cenicienta” que, sin alcanzar el puesto cabecero, venderá doscientas cincuenta mil copias aquel verano. Ya en 1970 las ventas decrecen un tanto y aunque sus discos se asoman al hit parade no suelen pasar de la barrera del décimo puesto. En 1971, Fórmula V remonta el vuelo con temas como “Ahora sé que me quieres” y al año siguiente de nuevo reinan en playas, piscinas y verbenas con “Vacaciones de verano”, aunque alcanzar de nuevo el preciado nº1 sigue siendo para Fórmula V misión imposible.
Por fin en 1973 el bombazo “Eva María”, del que venden alrededor de trescientos mil singles solo en España, les sitúa otra vez en la cabecera de los grupos nacionales. Aparecen en televisión casi todas las semanas, hacen docenas de galas muy bien pagadas y realmente el grupo está en la cresta de la ola. Todavía seguirán ahí el siguiente verano con “La fiesta de Blas”, que será su último número uno.
En el año 1975 el grupo empieza a dar muestras de agotamiento. Son ya siete años sin parar, con giras sudamericanas, más de sesenta actuaciones anuales, grabaciones, dos películas: "Un, Dos, Tres, Al Escondite Inglés" (1969) de Iván Zulueta y “A 45 rpm” (1969) de Pedro Lazaga. Todavía tendrán otro sencillo de éxito aquel verano con “Carolina”, con el que se despedirán de un público fiel a una forma de hacer música sin complicaciones. En agosto de este año, se reúnen en Palma de Mallorca los intérpretes de éxito en aquel verano. Allí, de forma inesperada para todos, en medio de su actuación, el grupo anuncia su próxima desaparición. En octubre cumplen sus últimos compromisos y Fórmula V pasa de forma elegante a la historia.

miércoles, 17 de febrero de 2021

BRAVO NINO



Tiene casi veinte años y ya está cansado de soñar,

Pero tras la frontera está su hogar, su mundo y su ciudad.

Piensa que la alambrada sólo es un trozo de metal,

Algo que nunca puede detener sus ansias de volar...

Libre, como el sol cuando amanece,

Yo soy libre como el mar

Libre, como el ave que escapó de su prisión

Y puede al fin volar.

Libre, como el viento que recoge mi lamento y mi pesar.

Camino sin cesar, detrás de la verdad,

Y sabré lo que es al fin la libertad.

Con su amor por bandera se marchó cantando una canción,

Marchaba tan feliz que no escuchó la voz que le llamó.

Y tendido en el suelo se quedó sonriendo y sin hablar,

Sobre su pecho flores carmesí brotaban sin cesar...

Libre, como el sol cuando amanece,

Yo soy libre como el mar


Y puede al fin volar.

Libre, como el viento que recoge mi lamento y mi pesar.

Camino sin cesar, detrás de la verdad,

Y sabré lo que es al fin la libertad.


FOR YOUR EYES ONLY...

martes, 5 de enero de 2021

Il mio canto libero

Mi canto libre – Lucio Battisti En un mundo que ya no nos quiere mi canto libre eres tú. Y la inmensidad se abre a nuestro alrededor más allá del límite de tus ojos. Nace el sentimiento nace en medio del llanto y se eleva altísimo y va. Y vuela sobre las acusaciones de la gente a todos sus legados indiferente sostenido por un anhelo de amor, de verdadero amor. En un mundo que / casas un día de piedras prisionero es / recubiertas de rosas silvestres respiramos libres tú y yo / reviven, nos llaman. Y la verdad / Bosques abandonados se ofrece desnuda a nosotros / que por eso sobreviven vírgenes y límpida es la imagen / se abren ahora ya / y nos abrazan. Nuevas sensaciones, jóvenes emociones se expresan purísimas en nosotros. El traje de los fantasmas del pasado cayendo deja el cuadro inmaculado y se alza un viento tibio de amor de verdadero amor, y te descubro otra vez. Dulce compañera que no sabes adónde ir pero sabes que adondequiera que vayas me tendrás a tu lado, si tú lo quieres. Piedras un día casas recubiertas de rosas silvestres reviven, nos llaman. Bosques abandonados y por eso sobrevividos vírgenes se abren, nos abrazan. En un mundo que prisionero es respiramos libres tú y yo. Y la verdad se ofrece desnuda a nosotros y límpida es la imagen ahora ya. Nuevas sensaciones jóvenes emociones se expresan purísimas en nosotros. El traje de los fantasmas del pasado cayendo deja el cuadro inmaculado y se alza un viento tibio de amor de verdadero amor y te descubro otra vez.

lunes, 6 de julio de 2020

In Memoriam Ennio

Los intocables de Eliot Ness (1987) Película - PLAY Cine


Ennio Morricone (Roma, 10 de noviembre de 1928-Ib., 6 de julio de 2020)​ fue un compositor y director de orquesta italiano conocido por haber compuesto la banda sonora de más de quinientas películas y series de televisión. Recibió un Óscar honorífico en 2006 y ganó el Óscar a la mejor banda sonora en 2016 por la cinta Los odiosos ocho. En 2020, le fue otorgado el Premio Princesa de Asturias de las Artes, compartido con el también compositor John Williams.

Sus composiciones se incluyen en más de veinte películas galardonadas, además de realizar también piezas sinfónicas y corales. Destacan, entre otros, sus trabajos en películas del spaghetti western, de la mano de su amigo Sergio Leone, como Por un puñado de dólares de 1964, La muerte tenía un precio de 1965, El bueno, el feo y el malo de 1966 o Hasta que llegó su hora de 1968. No obstante, su obra se extendió a multitud de géneros de composición, convirtiéndolo así en uno de los compositores más versátiles de la historia del cine y también de los más influyentes del siglo XX. Sus composiciones para Días del cielo  de 1978, La misión de 1986 o Cinema Paradiso de 1988 son catalogadas como auténticas obras maestras.

Morricone comenzó a tocar la trompeta cuando era niño y a los seis años ya había compuesto su primera obra. Estudió en la Academia Nacional de Santa Cecilia a la edad de nueve años, donde su padre, Mario Morricone, que era músico, lo inscribió. Cuando tenía doce años entró en el conservatorio, inscribiéndose en un programa de armonía de cuatro años, que acabó en seis meses. Su diploma de trompeta lo recibió en 1946 y a partir de ese año comenzó a trabajar profesionalmente componiendo la música de Il Mattino (La mañana). Después de graduarse en 1954, empezó como escritor fantasma, componiendo música para películas, que se atribuían a famosos músicos de la época. Pronto ganó popularidad debido a la composición de música de fondo para programas de radio y poco después daría el salto a la gran pantalla.

En los años cincuenta recibió un diploma en instrumentación. También le fue otorgado por el también compositor Goffredo Petrassi un diploma en composición. En 1955, Morricone se dedicó a arreglar la música de otros compositores que ya estaban establecidos en el cine. Al poco tiempo, Sergio Leone, un amigo de la infancia de Morricone, lo requeriría para que fuese el compositor de las bandas sonoras de sus películas. Juntos crearon un punto de vista diferente del Western tradicional con la película Por un puñado de dólares (1964), que fue más tarde conocido como el spaguetti western. En ese ámbito hicieron luego otra vez juntos varias películas mas como El bueno, el feo y el malo (1966) y ¡Agáchate, maldito! (1971).

En los años 80 y 90, Morricone continuó componiendo para Leone en películas de otro estilo como en Érase una vez en América (1984), por lo que podría haber tenido un Óscar, si no hubiese sido descalificada su banda sonora para ser nominada por un tecnicismo de la academia al no ver el nombre de su compositor incluido en los créditos finales, una banda sonora que muchos también catalogan como la mejor banda sonora de la historia del cine.​ También compuso para otros directores como Roland Joffé en La misión (1986), Brian de Palma en Los intocables de Eliot Ness (1987) o Giuseppe Tornatore en Cinema Paradiso (1988). Otras composiciones más recientes de carácter notable son en las películas Malèna (2000), Campos de Esperanza (2005) o Baarìa (2009).

Morricone ha recibido dos premios Grammy, tres Globos de Oro, cinco BAFTA, diez David de Donatello, once Nastro d'argento y el Premio de Música Polar en 2010, considerado este último como el Nobel de la música. En la edición de los Premios Óscar 2006 recibió el Óscar honorífico «por sus magníficas y polifacéticas contribuciones en el arte de la música de cine». En 2016 recibió el Óscar en la categoría de Mejor banda sonora original por la película Los odiosos ocho, después de haber sido nominado seis veces en esta categoría en ediciones anteriores, convirtiéndose así en el galardonado más longevo en dicha categoría en la historia de los Premios Óscar. A lo largo de su carrera, Morricone ha vendido más de 70 millones de discos.

De acuerdo a medios italianos, el compositor falleció durante la madrugada del 6 de julio en el policlínico del Campus Biomédico de la Universidad de Roma a los 91 años de edad, a consecuencia de las complicaciones producidas por una fractura de fémur tras sufrir una caída días antes.

jueves, 13 de febrero de 2020

Control Tierra a Mayor TOM

Creado en 1969 por el artista británico, el personaje surgió pocos días antes de la llegada del hombre a la luna, pero su verdadero origen estaba en el cine en la película 2001: Space Oddissey de Stanley Kubrick.

David Bowie lanzó el sencillo “Space Oddity”, una balada que juega con el sonido de una guitarra y un suave saxofón que acompañan la voz de Bowie. El Mayor Tom se embarca en una travesía que, apenas comienza la cuenta regresiva, tiene un destino incierto:

Y las estrellas se ven muy diferentes hoy
Porque estoy sentado en una lata
Muy por encima del mundo
El planeta Tierra es azul
Y no hay nada que pueda hacer
Dile a mi esposa que la quiero mucho, ella lo sabe
Sala de control a mayor Tom
Tu circuito está muerto, hay algo mal
¿Puedes oírme, Mayor Tom?

“Space Oddity” no es la única composición dedicada al hombre del espacio. Aparece en "Hallo Spaceboy" en 1995 y en  “Ashes to Ashes” del álbum Scary Monsters (and Super Creeps) de 1980, vuelve a mencionar su nombre y lo describe como un drogadicto al cantar “We know Major Tom’s a junkie”.

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Otra alusión al Mayor Tom,  es el video de la canción “Blackstar” del álbum homónimo de 2016. Esta fue la última producción del cantante antes de morir el 10 de enero de ese mismo año. En un terreno que emula la superficie lunar, yace un traje de astronauta y una niña se aproxima a él, mientras Bowie canta con los ojos vendados. Al abrir su casco, la joven encuentra un esqueleto. El Mayor Tom no pudo volver a la Tierra.

Extracto del art. "Nacido de una película: la historia del Mayor Tom de David Bowie"Mónica Garrido

Hay un personaje del juego "Metal Gear Solid 3" basado en él, es el Major Zero. Aunque nunca lo acabamos de ver en realidad, es un viejo inerte en una silla de ruedas, sin alma ni expresión. Una fuerza ajena al mundo, solitaria y a la deriva, pero siempre presente.

Y cómo aportación personal podría ser  un antecedente del Coronel Weird  del comic creado por el escritor Jeff Lemire y el artista Dean Ormston , Black Hammer.


miércoles, 12 de febrero de 2020

In memoriam Gregg Allman

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"Going Going Gone"(originally by Bob Dylan)

I've just reached a place
Where the willow don't bend
There's not much more to be said
It's the top of the end
I'm going
I'm going
I'm gone

I'm closing the book
On the pages and the text
And I don't really care
What happens next
I'm just going
Yes, I'm going
I'm gone

I been hanging on threads
Playing it straight
Now I've just got to cut loose
Before it gets too late
So I'm going
Yes, I'm going
I'm gone
So gone

Grandma said, "Boy, follow your heart
You'll be fine at the end of the line
All that's gold doesn't shine
Don't you and your own true love ever part"

I been walking down the road
Living on the edge
Now I've just got to go
Before I reach to the ledge
I'm going
I'm just going
I'm gone
So gone

Yes I'm going
I'm going
I'm gone

Yes I'm going
I'm going
I'm gone
So gone

Yes I'm going
I'm going
I'm gone
So gone

Superación Elza Soares


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Es hija del obrero y guitarrista  Alaúrdes Gomes Soares, su gran maestro de música, y de la empleada doméstica Josefa Maria da Conceição Soares. Nacida y criada en una favela de Río de Janeiro, vivió la más extrema pobreza.
A los doce años fue obligada por su padre a casarse con Lourdes Antônio Soares y a los trece, ya tenía un hijo, João Carlos. Tendrían varios más y dos de ellos morirían a causa del hambre. Este matrimonio se vería marcado por la violencia de Lourdes, quien en una ocasión le disparó en el brazo, puesto que creía que las cantantes eran prostitutas.
A los 21 años, enviudó de su esposo y tuvo que hacerse cargo de sus cinco niños.
En enero de 1962, comenzó una relación que duraría quince años con el futbolista Garrincha, quien estaba casado y con hijos. La opinión pública fue muy crítica de lo que sería el matrimonio entre ambas figuras, sobre todo con Elza. Sus discos dejaron de venderse y fue marginada.
En 1968, se casaron en la Embajada de Bolivia de la ciudad de São Paulo, debido a que el divorcio no era legal. Esta relación sería conflictiva, ya que a la fuerte crítica de la sociedad brasileña se le sumaban el alcoholismo del futbolista y el maltrato físico a la cantante.
En abril de 1969, sufrió un accidente de tránsito en un coche que conducía su marido en estado de ebriedad. En él viajaba su madre, que falleció en el acto. Elza, su hija Sara y Garrincha salieron ilesos.
Pasados ocho años del inicio de la pareja, fueron obligados por la dictadura militar a abandonar el país, asentándose en Italia. Retornaron a Brasil en 1976, año en que nació Manoel Francisco dos Santos Filho, Garrinchinha, el único hijo del matrimonio.
Soares abandonó al astro del fútbol brasileño, quien falleció de cirrosis a los 49 años, en 1983.
En 1986, con la pérdida de su hijo Garrinchinha en un accidente de tránsito, experimentó una fuerte depresión que la llevó a intentar suicidarse. Fue entonces que abandonó su país y su carrera durante largo tiempo, viviendo en Europa y los Estados Unidos. A pesar de todo, logró recuperarse de esta tragedia y revitalizar su carrera. Volvió a Brasil en 1994.
Elza Soares es un ejemplo de superación: atravesó una vida marcada por la miseria y la violencia, pero nunca se dio por vencida, cantó y le sonrió a la vida.
El 26 de julio de 2015 sufrió la pérdida de su hijo Gilson Soares, de 59 años, debido a complicaciones derivadas de una infección urinaria.
Con más de ochenta años en el 2019, la diva del samba continúa con presentaciones en vivo, a pesar de los problemas de cadera que arrastra desde una caída en 1999. Es considerada una de las leyendas del arte brasileño.

martes, 4 de febrero de 2020

Nat King Cole


 

Fly me to the Moon
Let me play among the stars
Let me see what spring is like
On Jupiter and Mars
In other words, hold my hand
In other words, baby, kiss me
Fill my heart with song
Let me sing for ever more
You are all I long for
All I worship and adore
In other words, please, be true
In other words, I love you
Fill my heart with song
Let me sing for ever more
You are all I long for
All I worship and adore
In other words, please, be true
In other words
In other words
I love you
 


Llévame a la Luna y

Déjame jugar con las estrellas

Déjame ver cómo es la primavera

En Júpiter y Marte

En otras palabras, sostén mi mano

En otras palabras, mi amor, bésame

 Llena mi corazón con una canción

Déjame cantarla por siempre

Eres todo lo que anhelo

Todo lo que venero y adoro

En otras palabras, por favor, sé real

En otras palabras, te amo

Llena mi corazón con una canción

Déjame cantarla por siempre

Eres todo lo que anhelo

Todo lo que venero y adoro

En otras palabras, por favor, sé real

En otras palabras. En otras palabras

Te amo.


FOR YOUR EYES ONLY...

martes, 7 de enero de 2020

La jaula de las locas


La jaula de las locas (La Cage aux folles, en su título original) es una obra de teatro del dramaturgo francés Jean Poiret, estrenada en 1973, que estuvo en escena en el Palais Royal de París durante quince años consecutivos. .


La jaula de las locas o Vicios pequeños adaptación de la obra teatral, es una película cómica de enredo franco-italiana estrenada el 28 de octubre de 1978 y dirigida por Édouard Molinaro. Uno de los protagonistas de la obra en el teatro, Michel Serrault, coprotagoniza la película en el mismo papel junto a Ugo Tognazzi.

La película ganó varios premios: a la mejor película extranjera en los Globos de Oro (1980) y el National Board of Review (1979), y Michel Serrault ganó los premios César al mejor actor (1979) y el David de Donatello al mejor actor extranjero (1979). Además estuvo nominada a tres Óscars: Mejor director, diseño de vestuario y guion adaptado.

Resultado de imagen de la jaula de las locas

The Birdcage es una película estadounidense, estrenada el 8 de marzo de 1996 y dirigida por Mike Nichols con adaptación de Elaine May al guion original. Se trata de una versión de la película franco-italiana La cage aux folles de 1978, que a su vez, está basada en la obra teatral homónima.​ La pareja formada por Armand (Robin Williams), y Albert (Nathan Lane), intentan fingir que son una familia cristiana y tradicional.

La jaula de las locas. Se trata de la adaptación de la obra teatral que en esta ocasión viene dirigida y protagonizada por Àngel Llàcer. Mediante números de cabaret y muchos enredos se narra la historia de Georges, el regente de un club nocturno de drag queens de Saint Tropez llamado La Cage aux Folles, y su pareja y estrella del local, Albin. Ambos se enteran de que el hijo de Georges, Jean Michel, se va a casar con la hija de un diputado ultraconservador, acérrimo defensor de los valores más tradicionales de la sociedad. El encuentro entre ambas familias se torna explosivo.
En anteriores versiones teatrales españolas participaron actores como Paco Morán o Vicente Parra.

jueves, 22 de noviembre de 2018

Eres



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Eres, por tu forma de ser conmigo lo que mas quiero
Eres, mi timón, mi vela, mi barca, mi mar, mi remo
Eres, agua fresca donde se calma la sed que siento
Eres, el abrazo donde se acuna mi sentimiento
Eres el regreso que cada vez más y más deseo
Eres la respuesta que no he encontrado entre mi silencio
Eres mi ternura, mi paz, mi tiempo, mi amor mi dueño
Eres lo que tanto quise tener y que en ti yo encuentro
Eso y mas!
Y esas cosas que compartimos como un secreto para andar
Entregándonos sin temor es lo que tenemos
Eso y mas!
Ese amor que llevaste a mi como un viento nuevo
Eso y mas
Que callamos para vivir cuando llega el tiempo
Eres el anhelo donde encamino mi pensamiento
Eres mi razón, mi mitad, mi fuerza, mi complemento
Eres la ternura que día a día me enciende el alma
Eres la verdad que me empapa toda como agua clara

 

lunes, 9 de abril de 2018

Alvaro-P-FF


 

Álvaro Pérez-Fajardo, director artístico de la compañía The Fly Factory acaba de presentar su primera exposición sobre carteles de conciertos titulada “Rock Ink Paper” y que puede verse hasta el mes de Julioen el Headbanger Rare guitars de Madrid .
 

jueves, 30 de noviembre de 2017

Música e Historieta

Resultado de imagen de La encrucijada (Astiberri)

Con motivo de la reciente publicación del cómic-disco de Paco Roca con el músico José Manuel Casañ , entorno a sus afanes creativos titulado "La Encrucijada", mostrar una pequeña serie de colaboraciones más o menos buscadas entre los dos medios.


Paolo Conte y Hugo Pratt, la confluencia de dos genios italianos.


Indigo Girls, portada por Jaime Hernández


Anthrax y Alex Ross


Un clásico Richard Corben y "cacho carne" Meat Loaf


Otra portada de Corben, esta vez para el grupo Heavens Gate, políticamente incorrecta.


Y por último con Jim Steinman